Le réel brut ne donnera pas à lui seul du vrai.

Pas d'acteurs
(Pas de direction d'acteurs.)
Pas de rôles
(Pas d'étude de rôles)
Pas de mise en scène.
Mais l'emploi de modèles, pris dans la vie.
ÊTRE (modèles) au lieu de PARAÎTRE (acteurs).

Trouver plus naturel qu'un geste soit fait, qu'une phrase soit dite comme ceci plutôt que comme cela est absurde, n'a pas de sens dans le cinématographe.

Supprimer radicalement les intentions chez tes modèles.

L'important n'est pas ce qu'ils me montrent mais ce qu'ils me cachent, et surtout ce qui n'il ne soupçonne pas qui est en eux.

Il faut qu'une image se transforme au contact d'autres images comme une couleur au contact d'autres couleurs.
Un bleu n'est pas le même bleu à côté d'un vert, d'un jaune, d'un rouge. Pas d'art sans transformation.

réel/vrai, modèle/acteur, pouvoir d'éjaculateur de l'oeil.
La « théorie de l'écriture cinématographique » de Bresson : le cinéma (cinéma) est une reproduction d'une pièce de théâtre, un enregistrement d'un drame qui s'emmêle avec la réalité ; le cinématographe est une combinaison d'images et de sons divers qui fait l'objectif Le film de réalité capturé est transformé du niveau de réalité au niveau de vérité (Le Réel). Prôner une "écriture cinématographique" pleine de changements et s'opposer aux "films" stéréotypés.
Les films écrits cinématographiquement s'expriment par la relation entre l'image et le son, et non par l'imitation de mouvements et de tons (d'acteurs ou de non-acteurs). Il n'analyse ni n'explique, il réorganise.

La recombinaison est la voie de composition spéciale qui permet au film de conserver sa propre authenticité (à partir de l'auto-épissure).
La douceur de l'écriture cinématographique face à la tridimensionnalité du jeu scénique.

Les idées et les actions de Bresson tout au long de sa vie.
Théâtre et cinéma : parfois on y croit, parfois non. Écriture cinématographique : continuez d'y croire.

Poursuivre les limites et les changements pour obtenir la valeur esthétique de l'art cinématographique.
1. Ni réalisateur ni artiste de cinéma. Oubliez que vous filmez.
2. Mettre des émotions sur le visage et l'action, c'est l'art d'un acteur, c'est une pièce de théâtre. Si vous ne mettez pas d'émotion sur le visage et l'action, ce n'est pas de l'écriture cinématographique. Le modèle exprime involontairement (au lieu de ne pas exprimer involontairement).
3. Votre modèle ne doit pas se sentir théâtral à propos d'elle-même.

Ces points sont très similaires à Hitchcock.
montage. Une phosphorescence soudaine émane de vos modèles, flotte autour d'eux, les relie aux objets (le bleu de Cézanne, le gris de Greco).

connection>sample ("Nous ne voulons pas de belles images, nous devons connecter le son et les images pour créer de la beauté.)
Une image n'a pas de valeur absolue.

Si vous comprenez ce point, il y aura beaucoup moins de "violence" dans les critiques. (rire ^^

Meditations on film-making by one of the masters of the moving image. In short notes, using the fewest possible words, Bresson offers pointed, precise koans on his aesthetic and "method", which involves dispensing with manufactured scenes and histrionic performances in favor of authentic emotion, "models" rather than actors.

This small booklet should be in the back pocket of everyone from the most successful directors to aspiring movie makers, present on every film set to remind those who work in cinema of the supremacy of the camera eye, especially when employed and wielded by a true Master. ( )

Un témoignage intéressant et d'époque à base d'aphorismes sur le septième art. L'opposition entre cinématographe, cinéma et théâtre filmé est certes aujourd'hui archaïque, mais, remise en contexte, conserve toute sa pertinence. Dommage que Bresson (ou l'éditeur ?) ne cite pas de manière directe les réalisateurs, films et acteurs qu'il se permet de prendre comme contre-exemples. ( )